我必须捞今年第一9分院线片
它有多凉？
首日票房仅447万，同期最低。
尽管这两天靠口碑带动，上座率逆袭第一，排片依然被压得死死的。
△截图来源：猫眼专业版
Sir不愿好片就这样悄无声息地沉没。
尽管夸它的影评市面上不少，Sir今天还是请来一位老朋友，以更硬核的角度切入《心灵奇旅》，为它再添上一把火。
@水5郎，专业动画影评人。
在他看来，这部电影已经不是一部纯粹的动画电影。
而是已经上升到一个哲学作品。
文| 水5郎
Sir电影独家专稿，未经许可不得转载
《心灵奇旅》一个必看的理由——
导演彼特·道格特（Pete Docter）。
两次拿过奥斯卡最佳动画长片奖，他执导的作品，你再熟悉不过。
《头脑特工队》《寻梦环游记》《怪物公司》……
又是经典，又是回忆。
Pete是皮克斯乃至整个世界动画电影领域颇为低调，同时又最能把动画商业性和人文深度结合的导演。
他在转学去加州艺术学院学习动画之前，于明尼苏达大学学习了一年哲学，这也使得他创作作品的母命题许多都围绕Consciousness（人的意识）。
Pete的作品永远是在商业片外壳之下，蕴藏多深层次对于人类自我内心的剖析和探讨，并且往往表面的故事只是内核的镜像，宛如人与水中的倒影，需要你用心去思考才能体会。
例如《头脑特工队》虽然主角表面上是乐乐（Joy），故事主线也是讲乐乐去寻找丢失的忧忧（Saddness）来拯救青春期女孩莱莉的公路冒险故事。
但是Pete却说：“《头脑特工队》真正的主角其实是忧忧，主题是告诉我们悲伤的重要性。”
在东方，宫崎骏也是如此，铃木敏夫在《吉卜力的伙伴》中说：“《千与千寻》的真正主角不是千寻和白龙，而是无脸男。”
最顶尖的动画大师们令人最叹服的能力，就是他们拥有把高维精神世界难以用语言描述的东西，用有趣的角色和生动的世界观来表现，并用通俗易懂的故事来告诉所有人——从儿童到成年人。
他们是精神与物质世界的伟大的翻译者和连接者。
正如Pete自己所说：
讨论任何伟大的创意只占工作的0.5%，剩下是我们想办法用既吸引人，又不让人产生困惑和过于忧郁的方式来让创意表现。
在如今纷繁嘈杂消费主义横行的物质世界，依然能有最顶尖的创作者在用通俗易懂商业电影的方式，探讨人的灵魂本源。
在不断反思物质世界是否让我们的灵魂(Mind）和肉体(Body）产生分离导致迷茫而不自知。
这便是《心灵奇旅》给出的追问——
国内动画电影无论是“我命由我不由天”还是“做自己的神”的主题，还处于孩童向外寻找自我价值认同的阶段。
这也有时代的发展阶段的原因，希望未来我们的动画电影随着市场和产业的发展，能有更多元文化的多层次维度的探索。
《心灵奇旅》显然在往这方面用力。
如果说《寻梦环游记》探讨的是死后的世界，它则是探讨生前的世界。
影片探讨的其实不是生死和梦想。
而是意识世界和物理世界之间的关系，即Mind和Physical。
整个故事特别简单。
一个名叫乔的音乐老师梦想成为专业的爵士乐手，然而在梦想即将实现的那天因为一个小意外受伤，导致“灵魂出窍”到意识的世界。
为了回到地球上自己的身体中，他被迫和一个名叫22的千年投不了胎的老灵魂开始了在意识和现实世界的穿越冒险。
乔的主线中有大量美国黑人文化与爵士乐文化，因为皮克斯雇佣了大量的顾问帮助艺术家在影片中重塑。尤其作为联合导演的Kemp Powers也是皮克斯历史上第一位非裔导演。
影片中有大量文学、物理学、哲学和神学的素材元素。
令我怀疑Peter Doctor是否有过灵修体验，后来看采访，团队了研究各个哲学学派、宗教、文明里对“灵魂”的看法。
他们因此设置了一个意识和物质的缝隙“忘我之境”（Zone）。
探讨了“灵魂出窍”的条件是人类专注力到一定程度或者可以通过灵修抵达，甚至会有塔罗和星象学。
而当人的“我执”过于强大，灵魂就会和肉体分离成为“迷茫的灵魂”在“忘我之境”永远流浪。
“22”的设定是一个千年老灵魂。
他受到几千年来人类精英导师们（Mentor）的教导，像特蕾莎修女、哥白尼、林肯总统、拳王阿里等，然而因为他的聪慧能随时找到老师们的逻辑BUG进而搞怪激怒老师，所以觉得人生并没有意义，导致找不到投胎需要的火花（Sparkle）。
直到和乔的意外冒险体验了地球一日，那些真实世界的香味、飘落的树叶、音乐、人对梦想的追求和亲人之爱让“22”用肉身体会到生命的意义，一对比所有对人世之前的想象仿佛是纸上谈兵。
“22”觉得也许自己最擅长的就是看天空和走路吧，此时他的火花终于产生。
也许这就是导演想要表达的“火花”的含义：
火花并非人生的目标，而是生而为人投胎之时，对自己有爱，想要活下去之时。
而之后因被迫返回意识世界让“22”和乔的友情决裂，导致他对自我的评价全面否定，认为自己是个让所有人讨厌的人，没有活着的必要。
此时他就黑化成“迷茫的灵魂”在“忘我之境”流浪。
比起乔这个表面上的第一主角，“22”更像是电影的真正的主角。
他更像是我们真实的样子，学会爱自己时则生，不爱自己之时则死。
其次， 《心灵奇旅》在技术层面也是一座高峰。
甚至高到了“重剑无锋、大巧不工”。
纽约市的现实世界是超写实系，而意识世界是二、三维变化的量子态，两种艺术风格的对比很好的构建出来物质和意识的世界。
你会发现《Soul》中纽约的所有角色和场景、道具是在自然光下构建的，然而这对动画来说是最难的灯光与渲染技术的挑战。
Pete在采访中说：“影片通过刻画在地球上的人生来给观众熟悉代入感，他是实实在在生活的。”
所以它真实到连斑驳的油漆都如此可信，片中的纽约市仿佛都能邀请你去到那个十字路口和店面。
而在灵魂意识的世界，艺术家们费尽一切努力在创造一个“非物质性”感觉的世界：
从钢丝艺术家汲取灵感，，赋予Jerry们（灵魂世界守护者）在三维世界中的二维空间感的造型，让Jerry代表的是宇宙的能量集合而非一个生物。
而灵魂们则追求一种未出生为人过的赤子形象，最终材质上借鉴“气凝胶”——
一种全世界最轻、最不像物质的物质。
并在颜色设计上采用在人类世界不会出现的颜色，例如角色瞳孔特意选了紫色。
此外声音可不是影片的辅助，而也是影片的“灵魂”。
Pete在上影节的讲座中说原本为乔的职业感到烦恼，原来乔设定是一个演员，而突然有一天看到一个爵士大师的讲座视频。
大师说年轻时仰慕另外一位大师，后来发现自己和他的区别并不是技术，而是：
“当自己弹错时就会沮丧觉得自己失误了。而大师则会惊喜这种意外，并创作出全新的曲子。所以爵士精神是：无论你做了什么，爵士乐手的意义是发现他的价值。”
爵士乐与电影的主题非常契合。
除了音乐，在声效上也在叙事。
纽约作为人类城市文明最高的城市之一，充斥着大量的感官骚乱，汽车喇叭声、火车的咔嗒声、墨西哥饼、披萨、理发店、地铁站台，以及行人、黄色出租车等。
电影中大量生活中声效的运用也进一步拉近观众与电影的距离。
当然，《心灵奇旅》并不是完美无瑕的电影。
它的世界观过于美好以至于存在漏洞，它无法解释为什么有邪恶的灵魂和犯罪的存在。
以及由于聚焦点在生活的点滴和日常，哪怕主人公乔的追梦也并非波澜壮阔，观感比起动作奇幻大片，更像一个小而美的剧情片，看惯感官刺激的观众可能会觉得寡淡无趣。
我也会担心儿童是否能理解，然而我那场许多10多岁的孩子都在喊太好看了！
让我想起之前Pixar总裁Jim Morris在采访中说：
我觉得我们过分低估孩子的能力，故意把给孩子看的片子拍的很低幼，其实孩子比我们想象的成熟的多，比如我们找一个4岁的女孩子看《头脑特工队》，并且问她看懂了吗？她很正经说：这部电影说我们有快乐，但也要接受痛苦和不快乐。我们不应该把孩子分离开来，而是要让成年人像孩子一样看片，我们的电影不分成年人和低幼，而是说更倾向于成人还是孩子。
无论如何，《Soul》都是非常值得一看的电影。
片中，乔被爵士大师邀请加入乐队实现了梦想，他反而迷茫了。
觉得自己之前所有努力都为了今天，但是实现后感觉生活并没有改变而怅然若失。
导演通过爵士大师的嘴用一个哲学故事回答了这个问题：
“一条年轻的鱼想要寻找大海，向一条年纪大的鱼询问。年纪大的鱼告诉它你所在的就是大海。年轻的鱼说这里只有水，哪里来的大海?”
什么意思？
——年轻的鱼只有越出大海，去到另外一个维度空间才会看到大海真正的样子。
这也是为什么，我们需要经常自省、换位思考。
希望影迷们多看《心灵奇旅》这样不同表达体系和多元视角的顶尖作品，只有这样，我们才能看到不一样的大海。
之前看到朋友圈有位观众的留言：
“这个世界只能看到成功的人，却只有皮克斯记得我们。”
这就是我们（至少）拥有皮克斯的福气。
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